浅谈古典主义时期室内乐大提琴演奏技法的进程

　　摘要：古典音乐主义音乐文化的典型特征就是优雅和美丽的风格，就像宫殿花园那样井然有序、精致独特、美轮美奂。也就是因为这些特点，才造就了当时制度下优美的音乐艺术。但是由于18世纪的启蒙运动，众多艺术包括大提琴在内的一系列文化产生了巨大的影响，艺术开始变得世俗化，进入到普通市民阶层中，大提琴也是如此。因此，提琴艺术因为大量的需求而飞速发展，同时也带动很多相关产业的出现和迅速发展。而且，对于提琴的演奏要求也进入新的阶段。古典弦乐在各种审美艺术改造和学术风格流派中不断发展创新。所以，本文选择了贝多芬的《g小调大提琴与钢琴奏鸣曲》加以赏析，从中体会那个时代古典乐的优雅。

　　关键词：贝多芬,演奏技法,古典音乐

　　在18、19世纪古典主义和浪漫主义相碰撞，在英国奥地利等国家都有许多大提琴的创作曲。因为受到启蒙思想的影响，还出现了很多作曲大师，比如海顿、贝多芬等人。贝多芬在其早期的作品总是根据古典主义美学思想来创作，乐曲都是比较安静温和的风格。在后期由于受到法国大革命的影响，贝多芬将作曲风格转向现实，创作了一些慷慨激昂的乐篇。

　　贝多芬的乐曲中都充满了新时代气息和民主思想。“人并不是那些鄙俗的人，那些人太人间气味了，要理想的人，艺术高于人”这是贝多芬心中的浪漫主义。贝多芬所留下的乐曲和话语都充分体现了他所热爱和向往的浪漫主义。也正是因为这种思想，才有了后来他的古典与浪漫的美妙结合。其中，贝多芬的《第二大提琴与钢琴奏鸣曲》就充分体现了这一思想。贝多芬接触音乐的时间比较早，在八岁时就开始接触钢琴和弦乐的演奏。

　　虽然他最拿手的是钢琴，但是在弦乐方面，贝多芬依旧是有很重要的地位。贝多芬的作品有很多，小提琴和大提琴等等的都有很多作品。在创作《第二大提琴与钢琴奏鸣曲》时，大提琴就已经作为独奏乐器出现在舞台上，已经开始有了自己的一席之地。贝多芬敏锐的感受到了这种曼妙的乐器并将其加入到作曲中，在作品的前奏中运用了它。前面部分和下乐章组成了一个乐章。

　　这是早期的一首室内乐作曲，那时候的钢琴远没有现在的钢琴质量好，在音质等方面都不是特别清楚。所以那时候的钢琴表演者要适应大提琴，在与和钢琴的结合下，不要使用过量的踏板。在速度比较慢的前奏时，贝多芬尽可能避免钢琴短音和大提琴音的结合，有时伴奏有时独奏，这样来构成一部曲子突出二者的结合。大提琴素有“音乐贵妇”之称，音色或浑厚丰满，或悠扬低沉，表达着深沉而复杂的感情。与钢琴甜美、醇正、具有颗粒感的音色交织在一起时，具有极强的立体感和感染力。

　　一、大提琴的节奏以及演奏技巧

　　大提琴的演奏主要是依靠运弓和手的完美配合来获得想要的音符，所以演奏者在演奏时要根据乐曲的风格来进行选择，演奏者的力度会直接影响到音质。在演奏贝多芬的作品时，要注意曲中的情感变化。贝多芬作品的乐曲节奏比较淳朴，感情表达都比较平淡。在大提琴奏曲还是可以看出莫扎特等作曲家的风格。但是由于贝多芬自身的性格，所以在贝多芬的曲目中大提琴演奏手法有了较大的创新，这主要体现在：

　　(一)sf、sfp、fp等表现力度标志的产生。

　　在乐句中持续爆发并灵活转换：ff-sf-fpsf-p-sf-p-pp、ff-pp、p-fp等节奏持续爆发，并且可以实现比较灵活的转化。1.爆发力：提前意识，接触弦时集中发力。2.连续集中爆发：右臂运弓要有力量的同时也要随心的表达风格，音符时值要饱满，连续下半弓的音头重音。不规则的休息停止、弱拍的重音能给予听觉的反差，不规则的弓法是由不规则节奏型所引起的。3.长曲中的渐进和突进：在演奏中要根据乐句中的线条起伏，适时的使用和控制弓段和弓速，但是演奏者为了能表达出贝多芬隐藏在这首作品中的创作时真实的内心想法和创作动机，在演奏时，演奏者右手的演奏的技法，包括弓速、弓段、弓压等方面的运用，右臂和右手持弓，还有运弓力量的松弛和集中等演奏方法都要经过很多思考和研究，需要反复的读乐谱，反复的斟酌。

　　(二)严谨的节奏和运弓

　　因为当时出现了大量的音符带有跳音，演奏者常常使用特殊的技巧进行演奏。弓压和弓段两者的分配都要求严谨，不能出现同样的表达。

　　二、左手的演奏技巧和拇指把位应用

　　左手的演奏技巧已经从把位上拓宽并且得到了较快的发展。在这两个乐章中，拇指把位较少，以1-4把位为主，对于练习者的练习和加强拇指的训练和姿势的纠正也是十分重要的。

　　(一)手指移动和伸张

　　在18世纪的末期，一个手指移动和伸张是在半音演奏时常常运用的左手指法，换一种方式说就是第一至第四把位，比如当音程关系由小三度转到大三度时，常常习惯用于2指伸张指法，但是以模进为发展手段时，却使用1指移动的小把位。

　　(二)音区较低、音域跨度不大

　　在现实的演奏中，演奏者为了尽力展现贝多芬鸣奏曲的独一无二的风格和令人沉迷的魅力所以演奏者会尽可能的突出表达相差巨大的力量对比。但是为了避免空弦的使用，演奏者在指法的运用中低把位的音符要选择相同音的较高把位，再使用快慢速相结合的揉弦办法将其强调和表现出来。

　　(三)装饰音和拇指把位的出现和应用

　　以巴洛克时期的演奏方法为主是在早期的古典主义中，很多著名音乐家的作品中都能发现装饰音。但是很少装饰音的作品也存在，比如贝多芬早期的作曲中就很难见到装饰音。当时的装饰音很多都产生在节拍之前，速度特别快。但是随着时代的不断进步，音乐的迅速发展，大提琴作品也在不断地增加，现在更高音域的音色以及大提琴的演奏方法成为很多音乐家和演奏家所追求的目标，只是为了更好的展示大提琴独一无二的魅力。

　　现在，很多演奏家对于第四把位的音域已经不再满足，有了更高的追求。中音谱号和高音谱号的产生是因为拇指把位的开发，这两者的产生让大提琴的乐谱中出现了很多三种谱号，让演奏者读谱更加困难，提高了演奏者有关反应能力的要求。大提琴指法体系中拇指的标记与其他手指相比，拇指在琴弦上按压的手和发力点是不同的。

　　第一，按压时要双弦同时按压。要让拇指肌肉和骨骼共同发力，肩部要打开，肘部要支撑手腕，有利于大拇指压紧双弦。一开始初学者在按压的过程中要有足够的心理准备，要勇于面对疼痛，保持强大的自信，在学习大提琴的过程中，拇指与琴弦的摩擦会容易让手指起泡严重的时候还可能会引发甲沟炎等。所以学习者要有耐心，当手指慢慢的习惯拥有承受能力时，比如长了厚厚的茧，就不会再感觉到疼痛，就能灵活运用。小指在拇指把位的运用引起了很多争议，很多演奏家认为不应该使用小指，但是就客观现实来说，在演奏中适当使用小指是很有必要的。

　　还有一个原因，小指较短较细所以决定了它的使用频率，但是很多欧洲男性经常在拇指把位上运用小指，因为他们先天条件优良，手指较长，利于演奏。拇指可以作为琴枕在任一指板上，最重要的是能够固定好这个把位。在某一音域范围内，当左手要移动到下一拇指把位之前，水平方向的四根弦可以演奏出更多的音符。

　　(四)演奏力度和演奏表情

　　在早期的古典主义的乐谱上对于演奏时的力度和表情没有很详细的表述。直到18世纪的后期才对此进行明确表达，在贝多芬创作的作品中有明显的表述，在他的作品中，从开头到结尾都有对乐谱进行速度的标注，还有其他详细的要求。这些对于演奏者都有很大帮助，演奏之前能够了解到曲目每一个乐章的大致基调，有利于演奏者正确表达作曲者的感情。演奏者既要依据曲目风格选择演奏技法，还要加上自己的感悟能力，这有利于表达乐曲的内涵。

　　三、结语

　　随着时间的不断流逝，时代的不断变迁，经济的迅速发展，科学技术的不断进步。大提琴的演奏技法也在不知不觉中向前发展着。不同时期的音乐家对于大提琴的装饰音等演奏技法的处理方式都不同。

　　总之如果想要有优美的大提琴曲，演奏者要掌握正确的技法，演奏者还要放松心态，身心愉悦。在古典主义时期的演奏技法需要我们不断地继承和发展，也要以发展的眼光去看待现代的大提琴演奏方法，现代的大提琴演奏家要与时俱进，进行创新，肩负着发展大提琴演奏技法和发展音乐文化的历史重任，让世界感受到音乐的巨大魅力和音乐蕴含的情感世界。要让大提琴艺术在世界文化舞台上屹立不倒，让美好的音乐文化永存于世。

　　参考文献：

　　[1]张坤.古典主义时期室内乐大提琴演奏技法的进程研究[J].艺术评鉴,2018,(09):23+29-30.

　　[2]张坤.对大提琴在巴洛克室内乐中演奏技法进程的研究[J].艺术评鉴,2018,(08):60-61+90.

　　音乐方向论文范文：民族音乐文化与高师教学相互融合思路

　　《视唱练耳》是我国引入的一门新学科，这门学科教学内容多采用的西方音乐教学体系，多引用的是国外音乐素材，在这门学科教学中多强调音准，节奏这些属性，反而忽略了民族音乐文化对该课程的融入，给教学带来了困境。下面文章主要论述民族音乐和《视唱练耳》课程相融合的重要意义，介绍两者相互融合的有利条件，探索出一种新的民族音乐文化融入教学的创新教学思路。